Amy Stein es una fotógrafa americana, nacida en 1970 en Washington y que ahora vive en Nueva York y enseña en School of Visual Arts y en Parsons The New School for Design. En 2007 fue nominada como una de las 15 fotógrafos (as) emergentes de este año por la respetada revista American Photo.
Esta chica tiene ya varios premios importantes y ha sido publicada en diferentes periódicos y revistas de la talla del New York Times o en Vanity Fair Italia.
Con un trabajo discreto pero muy interesante, Amy Stein nos muestra su atractiva propuesta fotográfica, la que si bien es reconocida como multidisciplinaria en el ámbito editorial de los Estados Unidos, nuestra amiga Amy dedica gran parte de su tiempo en construir críticas relacionadas con el mundo animal y cómo nosotros convivimos con otras especies a través de nuestras vidas, especialmente dentro de la cultura norteamericana y su característico espíritu destructivo en las zonas más periféricas.
Amy Stein tiene un interesante portafolio de fotografía conceptual. En su serie domesticated podemos ver como la vida humana interfiere en la de los animales; en Stranded podemos ver viajes a ningún lugar, tanto en el plano espacial como en el psicológico; en Halloween in Harlem la yuxtaposición del disfraz y el entorno suburbial, etc.
En su serie Womens and guns, Amy Stein muestra la relación entre las mujeres y las armas. Profundiza sobre como se adueñan de ellas, ocupando un territorio supuestamente masculino y brutal. Su blog también es rico en información que va desde su vida personal hasta los equipos que utiliza. Por la fuerza y calidad de sus imágenes, Stein es la nueva y joven promesa de la fotografía mundial.
“Mis fotografías exploran nuestra paradójica relación con lo ’salvaje’ y cómo nuestros impulsos contradictorios siguen desarrollando y alterando el comportamiento tanto de los seres humanos como de los animales. Buscamos la conexión con el misterio y la libertad de la naturaleza y, sin embargo, nos esforzamos por domesticar el mundo salvaje que nos rodea y controlar en forma compulsiva lo que hay de salvaje en nuestra propia naturaleza. En mi trabajo examino las cuestiones fundamentales del confort y el miedo, la dependencia y la determinación, la sumisión y la dominación que intervienen en los ecotones psicológicos y físicos entre el ser humano y la naturaleza.”
Daniel clase de foto
viernes, 20 de abril de 2012
Sally Mann
Sally Mann es una fotógrafa estadounidense nacida el 1 de mayo de 1951 en Lexington(Virginia), donde aún vive con su esposo Larry, abogado de profesión, con quién tuvo tres hijos: Jessie, Emmett y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos.
Estudió fotografía en la Praestegaard Film School (1971) y en la Aegeon School of Fine Arts(1972), entre otros, graduándose en 1974 en el Bennington College.
Su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianosconservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía.
Entre otras instituciones el Museo Metropolitano de Nueva York y la colección Corcoran poseen obra entre sus fondos.
En julio de 2001 Sally Mann recibió de la revista Time el premio a la Mejor fotógrafa norteamericana.
Fotografias del book
Espero mejorar con el paso del tiempo y la practica me duele no haber sido bueno como yo esperaba serlo en la materia pero hice el esfuerzo en este trabajo y me pareció una experiencia genial ya que nunca había trabajado en un estudio.
Comentarios acerca del curso
FOTOGRAFÍA EN BLANCO Y NEGRO:
No pensé que fuera tan agradable trabajar con el blanco y negro porque antes me parecía algo anticuado pero veo que es muy artístico. Me pareció una nueva experiencia porque nunca me había dedicado fielmente a tomar fotografías, aprendí muchas técnicas de hacer fotografías para que las fotos queden con un buen sentido. me gusto mucho ver vida de fotógrafos y sus trabajos en particular. Creo que aunque no soy bueno en la materia seguiré trabajando en ella para por lo menos algún día presentar un trabajo agradable en fotografía y hacer que valga la pena mi esfuerzo si Dios quiere. Me gusto como imparte la materia la maestra y su dedicación al grupo. un agradecimiento y un abrazo.
No pensé que fuera tan agradable trabajar con el blanco y negro porque antes me parecía algo anticuado pero veo que es muy artístico. Me pareció una nueva experiencia porque nunca me había dedicado fielmente a tomar fotografías, aprendí muchas técnicas de hacer fotografías para que las fotos queden con un buen sentido. me gusto mucho ver vida de fotógrafos y sus trabajos en particular. Creo que aunque no soy bueno en la materia seguiré trabajando en ella para por lo menos algún día presentar un trabajo agradable en fotografía y hacer que valga la pena mi esfuerzo si Dios quiere. Me gusto como imparte la materia la maestra y su dedicación al grupo. un agradecimiento y un abrazo.
Gabriel Figueroa
fue un cinefotógrafo y director de fotografíamexicano. Figura importante de la época de oro del cine mexicano.
Sus primeros trabajos fueron como fotógrafo en películas como Revolución de Miguel Contreras Torres. Además de trabajar con directores mexicanos, Figueroa trabajó también para Hollywood, colaborando con directores de la talla de John Ford y John Huston.
En 1950 realizó la fotografía de Los olvidados, de Luis Buñuel. Algunos de sus trabajos más recientes fueron El corazón de la noche, Héroe desconocido y México 2000.
Fue candidato al Premio Óscar a la mejor fotografía por La noche de la iguana en 1964. Fue co-fundador junto con Mario Moreno "Cantinflas"y Jorge Negrete del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica de la República Mexicana. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes en 1971.
Luis Buñuel en su libro Mi último suspiro cuenta una anécdota con referencia a un ancuadre hecho por Gabriel Figueroa. "Con Nazarín,rodada en 1958 en México y en varios bellísimos pueblos dela región de Cuautla, adapté por primera vez una novela de Galdós. Fue tam- bién durante este rodaje cuando escandalicé a Gabriel Figueroa, que me había preparado un encuadre estéticamente irreprochable, con el Popocatepelt alfondo y las inevitables nubes blancas. Lo que hice fue, simplemente, dar me-dia vuelta a la cámara para encuadrar un paisaje trivial, pero que me parecíamás verdadero, más próximo".
Su filmografía cuanta con 210 títulos en los cuales se desempeño como director de fotografía o coodirigiendo, los trabajos fílmicos son desde largometrajes hasta documentales.
Tina modotti
òTina
nació el 16 de agosto de 1896 en Undine, una
pequeña ciudad de fábricas textiles en el norte de Italia.
ò
òSu
nombre completo fue Assunta Adelaide Luigia Modotti Mondini.
ò
òFue mentora
de Manuel Álvarez Bravo que al ser deportada de México, le deja
su cámara Leica.
ò
òTina Modotti fue
una de las mujeres que se adelantaron a su tiempo: luchó por los derechos de la
clase desposeída en un país que no era el suyo pero que acabó siendo su patria,
con su lente capturó la maravilla de una nación floreciente: son famosas las
cananas y mazorcas mexicanas que simbolizan la guerra y la libertad.
ò
òTina se
educó en escuelas italianas y austriacas, debido a los bajos recursos
económicos de su familia, a los 12 años se vio precisada a trabajar en una de
las fábricas textiles de su ciudad natal; la situación monetaria familiar no mejoró,
y a los 17
años emigró con su familia a San Francisco, Estados Unidos, donde se empleó en
una fábrica de seda y después como modista.
òTenía
21 años cuando se casa con el poeta y pintor Roubaix de l’Abrie Richey y al año siguiente incursiona en Hollywood como
actriz de películas silentes.
ò
òEn 1921
conoció a Edward Weston,
excelente fotógrafo norteamericano trabaja con como su modelo y eso hace que
ella se interese por la fotografía, por lo que comienza a estudiarla con él,
quien fue el que le enseñó a usar la cámara, y todo lo que ella sabía de
fotografía.
òConmovida
por la explotación en la que vivía la clase trabajadora de la posrevolución
mexicana, Tina se convierte en activista revolucionaria desde principios de los
años veinte desarrollando fuertes lazos con miembros del grupo de la Unión Mexicana de Artistas, entre
los que se encuentran Manuel Álvarez Bravo, Diego Rivera, Charlot, Orozco y
Siqueiros.
ò
òEn 1927
se afilió al Partido Comunista Mexicano y desde ese año hasta 1940 Trabajó como
editora, colaboradora y fotógrafa de la revista Folklor Mexicano.
òTras su salida de México fue a Alemania donde continúa
su trabajo en el exilio en Berlín, donde se hace miembro de la Union GmbH de
fotógrafos de prensa y publica sus imágenes en Der Arbeiter-Fotograf.
ò
òLlegó a Alemania a mediados de 1930.
ò
òViajó a la Unión Soviética donde se reencontró con Vittorio Vidali, a
quién había conocido en México.
ò
òParticipó en el Socorro Rojo
Internacional en la Unión Soviética.
ò
ò Abandona momentáneamente la fotografía por el
activismo político mientras se encuentra en Moscú entre 1931 y 1934 trabajando
para la Cruz Roja Internacional de la URSS.
òTina Modotti murió
el 5 de enero de 1942 por un ataque cardiaco. En su lapida en el panteón
Dolores de la Ciudad de México se lee un verso de Pablo Neruda:
ò
ò"Tina
Modotti,
hermana, no duermes, no, no duermes; tal vez tu corazón oye crecer la
rosa
de ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa."
de ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa."
TRABAJOS:
CHEMA MADOZ
Chema Madoz (Madrid, 1958),
reconocido fotógrafo español al que en el año 2000 le fue concedido
el Premio Nacional de Fotografía. Ha realizado numerosas exposiciones
individuales, tanto en España como en el extranjero, y el conjunto de
su obra, además de ser respetada por la crítica, está alcanzando unas cotas de
popularidad impensables para otros artistas contemporáneos.
Amante
del blanco y negro, su obra recoge imágenes extraídas de hábiles juegos de
imaginación, en los que perspectivas y texturas tejen sus imágenes.
PERSONAS QUE INFLUYERON A CHEMA:
Desde la
herencia de la funcionalidad artística de los objetos surrealistas, donde la
provocación racional unida al azar, provocaba un efecto poético, muchos han
sido los artistas que han continuado con este ánimo conspirador, como Granell y Brossa. Sin
embargo, Chema Madoz, se distancia de ellos trabajando desde la idea, desde
lo intangible. Si bien necesita objetos para la realización de sus
imágenes, estos desaparecen en la propia imagen.
Sus
obras tienen un carácter neto cercano a las fotografías de Man Ray, con frecuentes cambios de escala, donde el poder
evocador y poético resulta de la conjunción ordenada de elementos sencillos,
sin apenas manipulación, y de la aparente inmediatez con la que se ha dispuesto
el escenario para la acción.
COMENTARIOS DEL FOTOGRAFO:
El
estudio es algo que tengo desde hace relativamente poco. Realmente fue más por
la comodidad de poder trabajar en varios proyectos de fotos a la vez. En mis
primeras series trabajaba en la calle, después empecé a trabajar más con
objetos y fotografiarlos en algún rincón de mi casa con luz natural de ventana.
Se ve una relación entre los medios de que disponía y los tipos de fotos que
construía. Trabajando en el estudio sí he notado mucho que disponer de un
espacio de taller amplio me permite avanzar más rápido y cómodo. Puedo tener
varias ideas en marcha e irlas depurando.
Me sigo
considerando fotógrafo. La construcción de la mayoría de mis objetos está
resuelta de mala manera… Bueno, me explico, quiero decir que están construidos
para ser fotografiados. No tienen empaque, ni una presencia cuando los ves
físicamente. No hay un acabado maravilloso, solo un aspecto de ellos que vas a
fotografiar es lo que funciona. Sacados de ese contexto funcionan en contadas
ocasiones. Alguna vez también me ha ocurrido lo contrario: un objeto que es muy
atractivo y que no funciona al ser fotografiado. Sin embargo, lo normal es
justo el caso contrario.
TRABAJOS:
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